擁有銘傳大學商業設計背景、並於英國安格里亞魯斯金大學（Anglia Ruskin University）取得藝術管理碩士的楊芳宜，在中年後重新省思藝術與自我生涯的方向，從而投入永續議題的創作中，實踐她對藝術自由與開放的追求。2017 年底成立「不廢跨村實驗室」後，楊芳宜與夥伴們攜手透過異質編織（利用廢棄材質）與再生創作，走入國內外的駐村現場，與在地居民共創，持續探索廢棄議題的多元面向。
從最老的實習生開始
有人說：「不要把自己賣給公司和薪水，要做真心想做的事，但代價可能是沒有錢。」楊芳宜原本心懷藝術治療的志向，因父親擔心她「念完藝術治療，回來能幹嘛？」而選擇管理領域。經過十餘年的探索與嘗試，她意識到自己並不喜歡商業設計，「商業設計有明確的邊界和框架，例如賺錢、企業的目標，但藝術創作不同，它的標準沒有那麼絕對。」
於是在 2015 年、年近 40 歲之際，她決定給自己一年的休息時間，以可能是竹圍工作室「最年長實習生」的身分，參與自己感興趣的永續議題，了解再生應用，而這大膽的決定，不僅開啟了人生新篇章，也成為自我實踐的起點。
而「廢青不廢／不廢跨村實驗室」的誕生並非源自浪漫的想像，而是出於一個實際需求：申請政府計畫必須有團隊名稱。當時想取一個好記的名字，恰好在聊天中，一位看似「超廢」，實則充滿活力的設計師夥伴：自嘲「今天好廢」，意外成為靈感。
廢與不廢看似對立，卻沒有好壞之分，甚至帶有相對卻又彼此依存的張力，延伸出新與舊、聚與散、傳統與現代的相互映照。楊芳宜坦言，自己對「對立」充滿興趣。像是談環境永續，本身就是一個矛盾的過程：在塑膠袋尚未發明之前，人類依靠其他材質作為工具；如今，塑膠袋卻成為生活中不可或缺的一部分。究竟便利與永續該如何彼此靠攏？她說：「就像傳統與現代，看似兩極相反，其實都是發展的一部分，而這之間存在著許多值得探討的空間。」
藝術不革命，成為家的橋樑
談及「傳統與現代」的相互理解過程，楊芳宜的父母便是最好的映證。她在離職後決心投身再生藝術時，曾對全職創作猶豫許久，原因在於她必須承擔每個月的房貸壓力。對父母而言，安穩的工作意味著安全，一眼望穿的生活不一定快樂，但令人踏實。母親曾不解她為何要放棄穩定的職位，選擇四處奔波的藝術創作。
回想創作初期，碰巧遇上政府大力提倡 SDGs，環境議題成為「顯學」，相關作品被大力報導，「真的很幸運，雖然還是一樣窮困啊。」楊芳宜自嘲，並繼續說：「但他們知道妳在做喜歡的事，然後看到電視報導，就會覺得很驕傲。從那時候開始，原本的反對和擔心變成觀察與注意，甚至後來我就拉著我媽媽一起做兩代人的創作。」
2020 年，楊芳宜受邀參與「臺北客家巢」策展，和客籍母親賴桂春及另外五組親子共同創作裝置藝術《恩等臍》。作品以「臍帶／期待」的血緣連結綿延為核心，將募集而來的廢布料與回收塑料結合鋁線，透過異質編織的手法，體現兩代之間的矛盾與互補關係。
楊芳宜分享：「剛開始我媽都很客套，編織很美好的世俗想像，但因為藝術創作期很長，後來她開始揭露內心的東西，講述自己的故事，挖掘彼此不曾見過的另一面。因此，我覺得藝術提供了被討論、被理解的可能。」
駐村的 N 種挑戰
藝術不只讓楊芳宜看見家庭關係的多重可能，更引領她前往各地駐村，足跡遍及基隆、臺北、桃園、屏東、馬祖、金門乃至香港、泰國。她坦言，駐村初期最大的焦慮往往聚焦於材料與工具。「像在東莒駐村時遇到海廢漂流木太大塊，要裁切才能做成特色椅凳，但很難從本島帶大型機具到離島中的離島，後來是當地的合作夥伴想方設法才幫我們借到，椅子才做得出來......」等到一切困難排除、創作步入正軌後，新的焦慮隨之而來：時間的緊迫性，以及如何與在地居民建立深度連結。
在 2021-2022 年馬祖國際藝術島：島嶼釀《陸上藍眼淚計畫─島塑椅》計畫中，楊芳宜和夥伴們要將作品設置在神祕小海灘附近，該地過去曾是火葬場，是在地人不敢踏足的禁地，當作品完成近半時，許多關係親近的在地長輩卻出聲反對，令團隊極為沮喪。
然而，轉變在作品完成後發生。一臺小巴載著一整車的島民來到現場，他們走進海灘，坐在編織成陸上藍眼淚的島塑椅上拍照留念。這個過去充滿悲傷和恐懼的地方，透過藝術獲得了另一種樣貌，重新與人產生連結。楊芳宜感動的說：「東莒並非我待最久的地方，但印象特別深刻，原來藝術創作真的能成為翻轉的力量。」
有過刻骨銘心的感動，當然也會有陷入低谷的瓶頸期，那種總是放不下完美主義的心態，想要壓榨自己的每分每秒，以期達到最好的自己，是楊芳宜最大的敵人。「我以前覺得只要把所有可能都事先規劃好，就不太會遇到狀況，後來發現，人生真的充滿各種意料之外。」幸好她身邊有一群懂得「順流」的夥伴，成為她的學習對象，「順流就是學會坦然面對、懂得靈活轉彎，比方時間壓力就擺在那，可以盡力，但不要虐待自己。然後調整心情，在有限的時間內享受編織的過程。」
在某段駐村期間，楊芳宜和夥伴在重複且耗時的編織中，引發對現代生活的深刻反思：「遠古時期所有用品都需要靠雙手製作，工業生產技術發達後，人們省了時間、換到便利，大量垃圾也隨之快速產生。也許編織在現代生活中，就是一種用時間與體力，向過往凡事親力親為的生活方式，進行的日常悼念吧！」
藝術創作的成果是美是醜，有時並非重點；更深層的意義，在於和人們、環境和社會交互的過程。藝術，為我們隔出一塊空間，允許沒有標準答案、允許不確定存在，人們藉此向內覺察更細微的心念，並深入思考那些生存之外的聲音。
藝術是什麼？
楊芳宜觀察到，臺灣在藝術層面擁有許多補助與支持，提供藝術家相對穩定的環境，讓他們可以專注於理想的實踐，然而，在泰國的駐村經驗卻截然不同：當地藝術家需要依靠私人企業贊助和募款。因此，更傾向將藝術視為一種行動，藉由炒熱公共議題，吸引媒體報導，進而催促政府做出改變，成為推動政策的契機。例如，他們曾藉由藝術節提倡河道旁腳踏車道缺乏欄杆等公共安全問題。
相對而言，臺灣的機會眾多，但因受政府補助，藝術家需要出席公部門的會議或記者會，楊芳宜坦言：「我覺得真誠很重要，不能虛假的講廢棄這個議題。老實說，做環境議題很消耗，因為它不是一個單面向的問題所造成。是資本主義下所呈現的狀態。不是消費者或生產者的錯。但看見的人、在乎的人會想把責任往身上攬，但其實那個責任永遠不是你的。」
在極度低潮的時期，楊芳宜甚至開始懷疑：長久以來推動眾人參與作品的「共創」模式，是否已淪為某種政策指標下的產物。「很多時候大型的作品是單一元件不斷重複堆疊而成，可是當單一元件在複製的時候，過程真的很無聊，共創者是沒有靈魂的，我其實花滿多的心思在想怎麼做，可以讓參與者不要覺得自己是工具。」
2025 年策展人陳一凡老師邀請楊芳宜與團隊夥伴參與 SDGs 永續藝術系列特展《反義複詞與及物動詞》，除了展出舊作，也與臺中特教學校、臺中啟聰學校、臺中啟明學校學生共創新作《眾根計畫》，這次的經驗，讓她重新尋獲了「共創」最純粹的本質。
「這是第一次與特教生合作。」她回憶道，「當我分享再生布料的材質時，他們仔細觸摸質感，甚至將布料湊得很近，用心感受細微的變化。」他們以虔誠且慎重的態度，對待我們習以為常的五感，這份觸動讓楊芳宜內心的框架與自我質疑逐漸煙消雲散。
面對熱愛的理想，我們總抱有不可侵犯的偏執。然而，當付出不被理解、當心意遭到曲解，甚至成為某種工具時，究竟該選擇視而不見，還是抗戰到底？藝術，不會給出答案。它只能陪伴，靜靜記錄下所有的過程與掙扎。
也許編織的魔力就像電影《道別的早晨就用約定之花點綴吧》中的離別一族，能將經歷的時光、遭遇的事件和內心情感織進布中。因此，當人們觀看或觸摸它時，便能感受到編織者當時的心境、快樂或悲傷。
從商業設計轉向再生議題的這十年，楊芳宜所編織的理想、感動、迷茫與熱愛，如此真誠且赤裸的呈現在大家面前。這些，我們都感受到了。
