擁有「臺灣現代版畫推手」美譽的藝術家廖修平，藝術成就亮眼，不只獲吳三連文藝獎、國家文藝獎、行政院文化獎、教育部藝術教育貢獻獎終身成就獎，作品更在世界各地許多重要的美術館被典藏，是華人世界中少數具世界影響力、全能型的版畫家。
那天在訪問前，廖修平的桌上有張紙條，上面寫了幾行字：「選擇了藝術，這是一條孤獨又漫長的道路，沒有捷徑。要以堅毅的信念，懷抱熱情及理想，持續不斷地走下去。」這段話，幾乎可以作為他一路走來的最佳寫照。
法國教授告訴他：「你來自東方，應該有你自己獨特的題材。」
現年 89 歲（虛歲 90）的廖修平，1936 年出生於臺北，從小即對繪畫深感興趣。中學時代受到美術教師吳棟材的啟蒙，19 歲考進國立臺灣師範大學美術系。
在吳棟材老師的引介下，廖修平課餘到前輩畫家李石樵的畫室學習，當時，李石樵曾以自己當年投考日本東京美術學校（現東京藝術大學）第三年才考上的經驗，鼓勵廖修平：「不要管別人評價如何，認真畫下去就對了！」李石樵經常提醒廖修平要「綿爛（mî-nuā）」畫——專注、認真、堅持到最後一刻。
師大畢業後，廖修平原可靠分發獲得穩定教職，但對創作有所嚮往的他，一心只想繼續出國深造。1962 年，他前往日本國立東京教育大學繪畫研究科進修，也是在留日期間，在百貨店看見世界名家版畫展，他開始接觸版畫，自行摸索平版畫技法，摸索各種可能性，也嘗試製作銅版畫。
廖修平留日期間，即得獎連連，曾以油畫「門神系列」參加日本「示現會（註）」，獲得獎勵賞（首獎），當時讓主辦單位也同時選了另一幅日籍畫家作品並列第一。亦是戰後第一位入選「日展」肯定的臺灣人，也讓廖修平更堅定走在藝術創作路上的決心。
註：日本社團法人示現會，是日展系七大會之一。
資料來源：藝術家官網
60 年代藝術的重心在巴黎，從國立東京教育大學繪畫研究科畢業後，廖修平決定到法國深造，1965 年進入國立巴黎美術學院油畫教室進修，同時間在現代版畫藝術的關鍵人物海特教授（S. W. Hayter，1901-1988）主持的「版畫 17 工作室」（Atelier 17）專攻彩色金屬版畫（套色技法）。
那幾年，廖修平以油畫作品《巴黎舊牆》獲得法國春季沙龍銀牌獎，然而，油畫教授夏士德（Roger Chastel）有天卻告訴他：「你是來自臺灣的東方人，應該有你獨特的題材與風格。」這句話，重重地點醒了他。廖修平知道自己可以把風景畫得美麗出色，日後也能靠賣畫維生，但他追求的是這樣的未來嗎？而如果全心投入創作，還能過上安穩的生活嗎？
教授的提問，在廖修平腦海中種下創作的種子。他開始思考，他是誰？什麼是東方？那段時間，他常在巴黎吉美博物館流連，看著館藏的中國青銅器及瓷器時，他便想到童年記憶中的龍山寺。
小時候，他常隨著母親去龍山寺拜拜，那些燒香、抽籤、祭壇、香爐、圖騰、冥紙、龍柱、雙喜等畫面早已深印在腦海中。除了油畫外，他開始以版畫創作「門系列」及「廟飾系列」，巧妙結合現代繪畫造型觀念和本土符號元素，以版畫形式重新詮釋臺灣鄉土文化美學，如「七爺八爺」、「廟神」、「春聯」等作品，不僅讓巴黎藝壇驚豔，參加世界各地的國際版畫展也受到重視，作品開始被歐洲美術館所收藏。
廖修平的創作，不只是技法的創新，更是對生命的哲思。他說：「若就生命歷程而言，我們通過『門』來到人間；而為了生活與認識這個世界，又不知還要打開多少『門』。」
在國內沒有受過版畫訓練、國外學的也只是技法，這樣的經歷反而讓廖修平的作品更加地獨樹一格，大膽揮灑金、銀、紅、黑等色彩，不只有豐足飽滿的文化底蘊，也刻畫出深刻的鄉土情感。
廖修平於 1966 年成為首位進駐「巴黎國際藝術村」（Cité internationale des arts）的臺灣藝術家。這段經歷來自他的才華、勇氣與冒險精神。他說，那年臺灣沒有什麼邦交國，身為一個窮留學生，無法申請國際學舍。某天早上 8 點，他直接拿著自己的作品，站巴黎文化局，他在等 10 點會來上班的局長。等到時，他拿出作品，毛遂自薦，局長買下他的版畫後，他才告訴局長，他想要申請國際藝術駐村，這對他來說很重要。
很多機會，要靠不斷地堅持與努力；而機運，也需要靠勇氣開創。
專研版畫「拼版法」與漸層技法 教學從不藏私
1968 年的巴黎，因學潮情勢混亂，正好美國邁阿密現代美術館邀請廖修平舉辦個展，他便帶著妻小搬往美國，定居紐約，並進入紐約布拉特 Pratt 版畫中心擔任助手，後來也在紐約由布雷克朋（Robert Blackburn）經營的創意版畫工作室專注自己的創作。。
在那裡，他利用工作之餘，持續探索各種版畫技巧。相較於浪漫慵懶的法國，美國生活步調快速，講求標準及效率，因此，他一改法國時期的手繪線條創作手法， 有時也用尺畫出規格工整、對稱的符號圖案，創作出《太陽節》、《陰陽》、《東方節》、《來世》等版畫作品，探索陰陽兩界的探索與聯想。這段時期，他的技法有了很大的突破，在不斷嘗試中，他發展出兩種或數種版種，在同一作品上併用的「拼版法」及使用滾筒製造彩虹般色調的漸層技法，作品更為自由奔放、獨樹一幟。
廖修平的母校國立臺灣師範大學美術系，在 1973 年聘請他回臺，教導現代版畫觀念與技法。除此之外，他也陸續在中國文化學院、國立臺灣藝術專科學校兼課，晚上還在臺北開設版畫工作室授課。多年來，他教學的足跡遍及國內外，曾有國外的老師對於他在教學上的「不藏私」相當驚訝。「很多老師都會留一手，但我完全不會覺得要保留，盡量讓年輕人知道我的各種技法，讓他們去試，有人想學我就很高興，有什麼好擔心技巧被學走？他們早晚會知道，而我還能因此再想辦法創新。」
這段期間，他的創作主題也愈見多元。在《木頭人》系列中，他以此象徵現代人在機械文明下失去本質，宛如木頭人；而在《生活符號》系列中，他用各種綜合媒材，發展出半立體的浮雕和立體雕塑作品。以紅、金、銀及黑等色，象徵繁複的現代生活，是種生生不息的秩序，也是種喜慶。
「如果只是做別人喜歡的東西，我很可能就一直停留在原地。」
這些年間，廖修平的作品陸續被美國紐約大都會博物館、日本東京近代美術館、英國倫敦維多利亞阿爾伯特美術館（Victoria & Albert Museum）等國際重量級美術館典藏。然而，生命總是無常。2002 年妻子驟然離世，那段日子，他不是失眠，就是作惡夢，夢中常有許多由地底伸出來的手，向上攫取……恐怖印象揮之不去。
經歷喪妻之痛的他，於 2003 年創作出《夢境系列》，畫裡那一隻隻手，表露了他最黑暗的痛苦與憂傷，卻也在創作中學會坦然面對生命的不確定性。提到夢境系列，他說：「現在叫我畫，我不會、也不想再畫，已經過去了。」
接受無常、承接生命的危險，讓他變得更有韌性與堅強。至今，他仍創作不輟。問他，對年輕創作者有什麼建議？他想了想說，李石樵老師在他年輕時曾跟他說過，藝術這條路沒別的，就是別人出去玩，你還是要繼續作畫。無論一路上是在比賽中落敗，或是作品推出時沒有人欣賞，廖修平都不曾停下腳步。
「我不喜歡重複，如果只是做別人喜歡的東西，我很可能會一直停留在原地。但我有很多作品，是當時無人欣賞，20 年後才被收藏。我如果因為當時不被認可而停下來，就沒有後來這些創作。」
因此，重新細讀：「沒有捷徑，要以堅毅的信念，懷抱熱情及理想，持續不斷地走下去。」那一字一句，都是廖修平用每個埋首的日子，點滴煉成。創作，不為任何評價，只要不斷、不斷走下去，必會在探索中完滿那獨一無二的自我。
